高中美术人教版 (2019)美术鉴赏第14课 人性的崛起——文艺复兴美术课堂教学课件ppt

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人性的崛起 ——文艺复兴美术
《最后的晚餐》达·芬奇
文艺复兴是14至16世纪发生在欧洲的一场思想文化运动。它以资本主义的发展为基础，以人文主义的兴起为特征。人文主义者热衷于学习古希腊，古罗马的文化遗产。反对上帝主宰一切的神权论，主张在世俗经验而非宗教经典中探求知识。人文主义者还坚信人的价值，鼓励个人进取，并强调市民的责任感与道德义务。因此，这一时期的艺术家积极地参与城市建设，更多地描绘世俗生活。更热衷于表现人性。意大利是文艺复兴的发祥地。那里有丰厚的古典文化遗产，为人文主义思想的发展提供了有利条件。
人文主义者热衷于古典文化，却不是为了回到古代，而是利用古代的知识解决当代的问题，在古典的价值基础上展开创新，从而实现对古典时代的超越。
布鲁内莱斯基是早期文艺复兴建筑领城的杰出代表。他完成了历史性的工程——佛罗伦萨大教堂穹顶的设计建造。 穹顶跨度为42米，高近60米，尺度巨大。布鲁内莱斯基开创性地以双层中空的穹架为基本结构，减轻了重量，也便于施工与维修。他没有用古典建筑中的圆拱，而以尖拱与肋拱作支撑，如此进一步减轻侧推力，并形成富有弹性的外部曲线。在顶部相当于罗马万神殿圆洞的地方，他设计了一个采光亭，让穹顶在视觉上更具层次，最终的穹顶比万神殿更为宏伟。
乔托是文艺复兴绘画的先驱。有“欧洲绘画之父”之称。他融汇了古典与哥特式的绘画语言，在构图、空间，光影与情感表达等多个方面做出了突破性贡献。在帕多瓦阿雷纳礼拜堂的墙壁上，乔托绘制了38 幅描绘基督生平的湿壁画，其中《哀悼基督》是最好的范例。乔托的表现方式为后来文艺复兴的艺术家提供了典范。
湿壁画:创作时，画家需先在墙壁上制作灰泥层，在灰泥潮湿未干时作画，若泥层干固便无法上色。因此，画家需按照每日的工作量制作灰泥层。湿壁画技法源于古埃及，文艺复兴时期创作的大量经典名作均为湿壁画，比如乔托《哀悼基督》、米开朗琪罗的西斯廷礼拜堂的天顶画以及拉斐尔的《雅典学院》等。
在艺术巨人中， 尤以被称为文艺复兴“三杰”的达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔最为杰出，他们彻底摆脱了哥特式美术的消极影响，把写实技巧发展到近乎完美的程度，创造了文艺复兴美术的典范之作，把意大利文艺复兴美术推上了其历史的高峰。
达·芬奇用稳定的金字塔构图，以四分之三侧面描绘人物。画中女子眼神灵动，注视着画外，双手交叉搭在身前。柔和的光线倾泻而下，照亮了她的脸部与手部。达·芬奇用渐隐法将画中的明暗过渡十分柔和，形与形的边界并不清晰，仿佛有一层空气遮挡，让人看不尽全貌。可以见到，女子的面部缓缓地隐没到头纱之中，而在神情最丰富的眼角与嘴角。达·芬奇略施阴影，造就了意昧深长的“神秘的微笑”。
《大卫》（大理石）米开朗琪罗
雕像《大卫》是米开朗琪罗的代表作，表现了大卫对战巨人歌利亚之前的紧张一幕。大卫将投石器靠在肩上，侧身注视着远处的敌人，重心偏向一侧，类似古希腊理想化的赠像姿态。他表情沉静，姿态松弛，却又肌肉紧绷，仿佛蓄积着一股强劲的力量。米开朗琪罗认为，大理石是雕像的囚牢，而肉体又是精神的桎梏，艺术家的任务是将它们释放出来。因此他的雕像总是有一种喷薄而出的精神力量，这是古典雕塑所不具备的。
天顶画《创造亚当》米开朗基罗
《晨》 《暮》 《昼》 《夜》米开朗基罗
《草地上的圣母》拉斐尔
《草地上的圣母》中年幼的基督、施洗约翰与圣母同处于一片明亮的风景中，两位幼童姿态优雅，皮肤莹润。圣母眉眼低垂，充满了母性的慈爱。拉斐尔用圣母翻卷的斗篷与幼童互动的姿态丰富了金字塔形的稳定构图。色彩比达·芬奇的作品更加鲜明，而其中的脉脉温情也与米开朗琪罗的作品相映成趣。拉斐尔所画的圣母成了一种经典范式，被后世竞相模仿。
达·芬奇的艺术博大精深，完美而又富于哲理，代表作为《最后的晚餐》《蒙娜丽莎》 等。米开朗基罗兼善雕刻和绘画，其艺术强劲雄浑，崇高而又富于激情，代表作有天顶画《创世纪》和雕像《大卫》等。拉斐尔的艺术则优雅和谐，理想化而又富于现实感，代表作有《西斯庭圣母》《雅典学院》等。
达·芬奇、米开朗琪罗和拉斐尔的绘画以素描为基础，在形体塑造与构图组织完毕之后才会考虑色彩。在意大利北部的威尼斯，色彩却是统一画面的主要手段。威尼斯画家常表现田园牧歌、狂欢宴会。
《暴风雨》是件谜一样的作品。画面中裸体的年轻女子正在为一个婴儿哺乳，他们是谁？画面左侧那位倚杖的年轻人又是谁？划破天空的闪电预示着暴风雨将至，这与作品的主题有什么关系？事实上，这些问题同样困扰着研究者们。但这些都掩盖不住作品中散发出来的迷人的诗意。画中对风景的表现也是威尼斯画派非常重要的特征之一。
提香在《酒神祭》中，绘制了一群纵酒狂欢的人物。画面中的人物组成、姿态变化比《田园合奏》复杂得多，色调也更为鲜亮，突出表现了欢快自由的气氛。提香对人体的理想化较为适度，既让人想到古典时代，又力求激起感官的欢愉。
《天上与人间的爱》提香
在精雕细琢的手抄本与哥特式晚期富丽华贵的画风影响下，欧洲北部的文艺复兴绘西尤为讲究细节表现。以扬·凡·艾克为主的一批画家还发明了油画，为精致细腻的材质刻画创造了条件，成为后来画家们最常用的媒材。
蛋彩画和油画中世纪木板绘画最常见的颜料为蛋彩，即用稀释的蛋黄(有的画家用蛋白或整个鸡蛋)来调和颜料粉末。蛋彩画色彩鲜亮，但因颜料层干得快，难以表现色调的渐变。油画即用油做颜料调和制，油性颜料黏树、凝固慢，在画面上有透明感，可层层厚涂，易表现微妙的色调变化。
《根特祭坛画》扬·凡·艾克
《阿尔诺芬尼夫妇像》扬·凡·艾克
《阿尔诺芬尼夫妇像》是扬·凡·艾克的代表作。画中，阿尔诺芬尼执着妻子的手，正在做婚姻宣誓。屋内所有的物件似都具有象征意义。画家以高超的技艺刻画了各种器物的不同质感，其中最精细处是墙上的镜子。扬·凡·艾克在极小的空间中画出了反向的卧室内景，还添上了两位旁观者，其中一人就是他自己。在镜子上方，画家用优美的字体留下了署名。这幅画是对婚姻的庄严证明，而画家扮演了见证人的角色。
《自画像》丢勒（版画）
丢勒是15世纪末16世纪初德国最杰出的画家。他融合了欧洲北部与意大利两地的绘画传统，将理想化的设计与对自然谨细的描摹结合起来。在其版画《骑士、死神和魔鬼》中，死神头戴蛇冠，摇晃着暗示生命流逝的沙漏，骑士身后是手持长柄利刃的魔鬼。骑士身形伟岸，泰然前行，坚定地向自己的目标进发。丢勒用雕刻刀极精细地排线，塑造出丰富的肌理与明暗变化:马鬃蓬松，树皮粗糙斑驳，铠甲光洁莹亮，而死神形容枯稿。他的作品代表了当时版画艺术的最高成就。
《骑士、死神和魔鬼》丢勒（版画）
小结：当知识生产的重心从天国转到人世，人们眼中的世界也愈发不同了。瑞士学者雅各布·布克哈特将文艺复兴的成就概括为“世界的发现和人的发现”，前者体现为对自然美的欣赏，后者体现在对人物面貌、性格、思想，情感全方位的细致刻画。艺术家通过对透视法、人体解剖学、明暗画法等的运用，表现真实的自然景象和生动的人类情感。美术创作虽仍离不开宗教题材，但世俗生活已成为创作的模板，人性成了一股重要的力量。
查阅相关资料，围绕拉斐尔的《雅典学院》写一篇500字左右的鉴赏文章，要求分辨出画中的主要人物，并对透视与构图做出分析。
查阅相关文献，尝试鉴赏达·芬奇的另一幅名作《最后的晚餐》 ，可从构图、空间、人物的动作、神情几个层面展开分析。